Musiker, Schauspieler, Tänzer

Alles beginnt mit einer Idee. Vielleicht möchten Sie einer bestehenden Band beitreten oder ein neues Ensemble gründen? Vielleicht möchten Sie Ihrem Spiel eine neue Dimension geben?

Funktionelle Anatomie im Zentrum Ihrer Technik – im Dienst der Musik!

Reitkunst und Musik – zwei Welten, die weit voneinander entfernt zu sein scheinen.

Auf der einen Seite die Arbeit mit dem Pferd, die den Körper des Reiters als Ganzes fordert und zu der die Kenntnis, die Beherrschung und der Respekt eines zweiten Körpers hinzukommen: des Pferdes.

Der leidenschaftliche Reiter stellt sich ganz in den Dienst seines tierischen Partners – beim Training und bei der Ausbildung, aber auch in einem anspruchsvollen Alltag, in dem er es pflegt und für es sorgt. So entsteht eine einzigartige Vertrautheit.

Auf der anderen Seite die Musik. Ich selbst habe mich für die Streichinstrumente entschieden: zuerst die Bratsche, dann die Geige – Instrumente von unbestreitbarer emotionaler Kraft, die die Gelenke auf Millimeter genau fordern, wie es für eine saubere und ausdrucksvolle Musik unerlässlich ist. Man steht allein vor seinen Erwartungen und Grenzen, oft mit einem statischen Körper, der sich damit abfinden muss, stundenlang zu üben, bis hin zu funktionellen Störungen.

Damals bin ich 16 Jahre alt und weigere mich, zwischen Reitkunst und Geige zu wählen. Doch die Intensität der körperlichen Arbeit, die Stunden im Sattel bei jedem Wetter, die technische und repetitive Arbeit an der Geige… Trotz großartiger Mentoren behinderte das fehlende tiefe Bewusstsein für meinen eigenen Körper schließlich mein Spiel – mit einer weiteren Sehnenentzündung, die mich zur Ruhe zwang.

In der Oberstufe des Konservatoriums begann mein Körper unter all den Belastungen zu leiden, die ich ihm zumutete, eine Mischung aus körperlicher und mentaler Verkrampfung. Dank dieser Zeit des Infragestellens hatte ich das Glück, mit Marc Papillon in der Clinique du musicien in Paris zu arbeiten.

Seine Leidenschaft für die Optimierung der Bewegungen und dafür, die Freude des Musikers in den Mittelpunkt zu stellen, hat vor bald 15 Jahren mein Leben verändert. Sein Wissen und die Art, wie er es weitergibt, haben mir erlaubt, meine Grenzen erst anzunehmen und sie dann über das scheinbar Mögliche hinaus zu verschieben. Seine Sichtweise ergänzte meine Arbeit am Konservatorium und im Sattel perfekt.

Ich habe gelernt, meinen Körper zu kennen und ihn zu meinem Abenteuergefährten zu machen, um auf meinem frei laufenden Pferd Geige spielen zu können – in einer Show.

Begleitet von Marc Papillon habe ich die Unabhängigkeit der Hilfen bis zum Äußersten getrieben, mit Freude, Spannkraft und Gelassenheit:

Mein Körper vom Nabel bis zu den Zehen ist meinem Pferd gewidmet: Die Kontrolle meines Körpergewichts, die Bewegung meiner Beine, die Ausrichtung meines Steißbeins und meine Atmung haben für mein Pferd, das sich völlig frei bewegt, jeweils eine eigene Bedeutung. Nur gelegentlich kommt meine Stimme hinzu, um es zu führen.

Mein Oberkörper muss geschmeidig und stabil bleiben, damit ich mit dem Bogen spielen und die Saiten meiner Geige zum Klingen bringen kann, ohne den Hals mit der linken Hand zu umklammern, die frei bleiben muss, um die Töne aneinanderzureihen. Dabei muss ich meinen Nacken vor jeder Verspannung bewahren, die die Harmonie unmöglich machen würde. So kann sich ein ausgewogener Einklang zwischen Ober- und Unterkörper einstellen.

Dann bleibt uns nur noch, meinem Pferd Ti Amo und mir, uns ganz hinzugeben und vor dem Publikum einen einzigartigen, emotionalen und künstlerischen Moment entstehen zu lassen.

Danke, Marc, dass du mich bei der Verwirklichung dieses Traums begleitet hast!

Ihnen, die Sie diese Zeilen lesen, wünsche ich, dass Sie in diesem Buch die Inspiration finden, Ihre körperlichen und mentalen Grenzen bewusst und mit Freude zu verschieben!

Manon Comparini

Die Entwicklung des Künstlers

Die Entwicklung eines Künstlers beschränkt sich nicht auf seine jungen Jahre, auf Kindheit oder Jugend; sie setzt sich sein ganzes Erwachsenenleben hindurch fort und zeigt sich in körperlichen, mentalen und emotionalen Veränderungen, unabhängig von seiner ursprünglichen Morphologie oder seiner gefestigten Persönlichkeit. Damit ein Bezugspunkt verlässlich bleibt, muss sich der Künstler seiner persönlichen Entwicklung voll bewusst werden, aber auch der seines Umfelds und der gesellschaftlichen Veränderungen. Dieses Bewusstsein wirft eine weitreichende Frage auf: das Spannungsfeld zwischen Offenheit für Veränderung und Zurückhaltung gegenüber manchen Neuerungen oder Anpassungen.

Von der instrumentalen Dynamik bis zur Atmung, vom emotionalen Ausdruck bis zum Umgang mit Stress behandelt dieses Buch ohne Anspruch auf Vollständigkeit eine Vielzahl von Themen. Es lädt den Künstler ein, Technik und Ausdruck, Strenge und Loslassen in Einklang zu bringen – im Sinne eines fortwährenden Lernens und Wachsens.

„Anatomie des Künstlers“ möchte eine wertvolle Ressource für alle Künstler sein, die sich bewusst durch die Vielschichtigkeit ihrer Kunst und ihres Ausdrucks bewegen wollen, und so ihre Praxis und ihren persönlichen Weg um ein tieferes Verständnis der Einheit von Körper, Kopf und Herz bereichern.

„Anatomie des Künstlers“ markiert den Beginn einer vertieften Erkundung innerhalb der Reihe „Anatomie des Musikers“. Diese Reihe widmet sich der Gesamtheit der musikalischen Praxis und beleuchtet die vielen Facetten künstlerischen Schaffens.

Ziel ist es, ein umfassendes Bild der Musik als vernetzte Disziplin zu vermitteln, die von anatomischen, funktionellen und zwischenmenschlichen Faktoren beeinflusst wird… „Anatomie des Künstlers“ lädt die Leser ein, die Tiefe der beteiligten Systeme zu entdecken und zu würdigen, die das Leben des Künstlers ausmachen.